——改变空间的美国装置艺术家罗伯特·欧文
罗伯特·欧文在工作室里创作早期的线条画，1962(？马文·西尔弗，由马文·西尔弗和克雷格·克鲁尔画廊提供)(点击放大)
他在20世纪50年代开始了他的画家生涯，但在20世纪60年代，他转向装置艺术，成为一名先锋。他的工作有助于定义西海岸光和空间运动的美学和概念。他早期的作品经常使用光线和薄纱来改造画廊和博物馆的空间，但从1975开始，他也将景观项目融入到他的实践中。Irwin已经在Gator Center (1992-98)、DIA: beacon (1999-2003)和德克萨斯州Marfa的Chinati Foundation(2001-16)等机构构思了超过55个特定场所的项目。洛杉矶当代艺术博物馆1993第一次回顾他的作品。2008年，圣地亚哥当代艺术博物馆又展出了一件，他的职业生涯持续了50年。欧文于1976获得古根海姆奖学金，于1984年3月获得麦克阿瑟奖学金，并于2007年当选美国艺术与文学学会会员。他在加州圣地亚哥生活和工作。
罗伯特·欧文，“无题”(1969)，丙烯颜料在成型丙烯上，53 1/4英寸。直径。，装置视图，赫什霍恩博物馆和雕塑花园，华盛顿州，DC(艺术品？2016罗伯特·欧文/艺术家权利协会[ARS]，纽约，凯西·卡弗摄影)
出发点
罗伯特·欧文出生于1928加州长滩，罗伯特·欧文和戈尔迪·安德伯格·欧文。从1946到1947在美国陆军服役后，他加入了几个艺术机构:从1948到1950在LA的奥蒂斯艺术学院，从1951到1952的杰普森艺术学院。接下来的两年，他生活在欧洲和北非。从1957到1958，在Chouinard艺术学院任教。
“波士顿的乐队”(1962)、“玫瑰之床”(部分)(1962)和“无题”(部分)(1962)，在赫什霍恩博物馆和雕塑花园(艺术品？2016罗伯特·欧文/艺术家权利协会[ARS]，纽约，凯西·卡弗摄影)
工作
1977中，罗伯特·欧文写了一些关于自己的信息:“我在一个不知名的地方开始做画家，几乎没有任何问题...我的第一个真正的问题涉及到我绘画的随意性...我用我的画作为一个循序渐进的过程，每一个系列的新作品都直接回应了前一个系列提出的问题。我先质疑商标是一个意义，再质疑它是一个焦点；然后我把框架看作是对怀疑的包容，把边缘看作是我所见的开始和结束...考虑到没有什么东西真的超越其周围环境的可能性...我尽量直接回应自己所处的每一个情境的好坏，而不是成批地将其转化为一个新的或理想的环境，而是直接参与其性质。当它充满了真实和可触摸的事件时，一个空间怎么能被认为是空的呢？”(罗伯特·欧文，1977)罗伯特·欧文的艺术观念源于一系列的经验感知。作为一个抽象而开明的思想家，他首先把经验呈现为感知或感觉。他总结说，认知或认可感有助于澄清感知。比如“我们知道天空的蓝色，更不用说“天空”甚至在我们知道它是“蓝色”之前。
《罗伯特·欧文:所有的规则都会改变》(艺术品？2016罗伯特·欧文/艺术家权利协会[ARS]，纽约，凯西·卡弗摄影)(点击放大)
他后来解释说，抽象思维的概念通过自我的概念发生在思维中。然后，识别物理形式，并将其传达给社区。然后，客观复合发生，描绘行为规范和艺术规范，变得可识别。然后边界和公理引入逻辑和推理，可以做出决策:归纳或演绎。形式主义随之而来，证明和说服关于感知对象的决定。欧文的研究表明:“所有的思想和价值都来自经验，它们可以在任何时候被分离出来，并在功能和用途的基础上直接发展，这两者实际上都与条件有关，即我们的主观和客观存在。”罗伯特·欧文(Robert Irwin)的哲学将他的艺术概念定义为一系列美学探索、文化创新的机会、与社会的交流和互动以及复杂的历史发展。
劳伦斯·韦施勒(Lawrence Weschler)在他的代表作《看见和忘记一个东西的名字》中，记录了欧文在南加州青年时代的早期过程，以及他成为后抽象艺术界领袖的过程。韦施勒在他的书的封面注释中描述了这些作品迷人且常常迷人的品质:
拉里·贝尔的《6 x 6即兴创作》，2014
1980年5月，罗伯特·欧文回到了加州威尼斯的市场街，在那里他保留了一个工作室，直到1970年，他完全放弃了工作室的工作。梅林达·怀亚特在他旧工作区旁边的大楼里开了一个画廊，邀请欧文创作一个装置。
罗伯特·欧文的《向广场致敬》?在Dia: Beacon，Dia艺术基金会，6月1，2015–5月2017
他把长方形的大房间打扫干净，调好天窗，把墙刷成白色，然后敲敲临街的墙，换成透明半透明的白色素色棉布。这个房间似乎已经从过去的一天改变了面貌:人们来了，坐在马路的对面看着，有时是几个小时。
由于其作品的短暂性或微妙性，这本书不仅是一个介绍，也是许多艺术家和艺术学生体验罗伯特·欧文作品的主要途径。2007年，他告诉《纽约时报》的乔里·芬克尔，人们仍然会在他的讲座上要求他的签名。在那篇文章中，任命欧文“设计我们的迪亚:灯塔体验”的LACMA主任迈克尔·戈万(Michael Govan)表示，他认为这本书“说服了更多的年轻人成为艺术家，而不是创造摇滚音乐家的天鹅绒地下乐队”。
类似于加布里埃尔·道的作品，但没有任何联系，这是另一系列悬挂的彩色绳子，看起来像运动和反射。我可以想象，绝对令人震惊和劳动密集型。
画
欧文的早期作品始于绘画。1959年，他画了一系列手持物件，并作为个人参展商第二次在洛杉矶Ferus Gallery展出。第二年，1960，他被要求在帕萨迪纳美术馆再次展出。到那时，他开始了一系列连续的实验。1962年开始在加州大学洛杉矶分校任教，并再次在费罗斯画廊展出。那一年，他开始了他的线描。他于1964年在Ferus画廊展出了他的点画。
罗伯特·欧文。洛杉矶Sprüth Magers安装视图，1月23日至4月21，2018。感谢艺术家和斯普吕特·马格斯。摄影:罗伯特·魏德迈。
从1966到1967，他开始画铝板。他被邀请作为个人参展商在纽约佩斯画廊。从65438年到0968年，他开始在加州大学欧文分校任教。在接下来的两年里，他开始了他的工作，使用一个透明的丙烯酸圆盘，白色凸起的结构固定在墙上，用一盏灯照亮。1970开始研究“柱子”，这是一系列透明的亚克力柱子。从65438年到0972年，他开始研究中国西南地区的“景象”和“地方”。
罗伯特·欧文。洛杉矶Sprüth Magers安装视图，1月23日至4月21，2018。感谢艺术家和斯普吕特·马格斯。摄影:罗伯特·魏德迈。
轻型工程
欧文在20世纪70年代首次使用荧光灯。从1998到2000年，他的现场条件装置Excursus:致敬广场3，对画家约瑟夫·艾伯斯的沉思和他对色彩关系的探索在Dia:Chelsea展出。由18个小房间组成，用严密的纱网墙隔开；每个房间的光线，其值取决于与窗户的距离，由四个白色和彩色双荧光灯泡增强，每个灯泡垂直悬挂在每个墙壁的中心。2015在Dia:Beacon重新安装，2017继续展出。2015在纽约佩斯画廊举办的展览中，他安装了几排柱灯，用彩色凝胶涂上不同的灯，改变光线传播。
罗伯特·欧文。洛杉矶Sprüth Magers安装视图，1月23日至4月21，2018。感谢艺术家和斯普吕特·马格斯。摄影:罗伯特·魏德迈。
固定
自1968以来，欧文专注于场地本身，在房间、花园、公园、博物馆和各种城市场所创作装置。特别是受到约翰·麦克劳林、欧文和其他光与空间艺术家的绘画的影响，他开始对推动艺术和感知之间的界限感到好奇。20世纪70年代，罗伯特·欧文离开了他的工作室，在户外和改善的室内场所，追求与光直接相关的装置艺术和空间:视觉感知的基础。这些设备允许艺术家和观众进行开放式探索，通过操纵环境而不是保留单个艺术作品的范围来创造不断变化的体验。参与光与空间运动的其他艺术家包括约翰·麦克拉肯、詹姆斯·特瑞尔、彼得·亚历山大、拉里·贝尔、克雷格·考夫曼、道格·惠勒、玛丽亚·诺德曼等。
光与空间，2007
115荧光灯
271 1/4 × 620英寸
689 × 1574.8厘米
1970年，现代艺术博物馆邀请欧文进行装置创作。利用整个项目空间，欧文在离地面10英尺的地方挂了一块白色的素色棉布，在墙上贴了闪亮的不锈钢丝。1971年，沃克艺术中心委托艺术家为爱德华·拉拉比·巴恩斯(Edward Larrabee Barnes)设计的建筑首次展览创作《无题(倾斜/光线/体积)》。对于1974安装在纽约佩斯画廊的软墙，欧文只需要清理并粉刷一个长方形的画廊，在其中一面长墙前挂一个薄薄的半透明的白色剧场网格，就能营造出一种效果。一个空荡荡的房间，一面似乎永远失焦的墙。艾伦纪念美术馆入口走廊的永久墙装置，无题(1980)尺寸正好复制了对面的深窗。20世纪80年代初，欧文被邀请作为合作艺术家参与迈阿密国际机场的复兴和改进设计。1997年，他翻修了圣地亚哥当代艺术博物馆拉荷亚分馆的一间俯瞰太平洋的房间。为庆祝其125周年，印第安纳波利斯艺术博物馆委托欧文创作了“光与空间III”(2008)，从而成为第一个拥有永久室内装置艺术家的美国博物馆。为了这件作品，欧文在自动扶梯周围的墙上布置了带有不规则网格图案的荧光灯泡，两边各有一层稀松布框架；当博物馆的参观者在楼层间上下移动时，他们会穿过这件作品。Trifecta(乔氏酒吧&烧烤店)是位于印第安纳州韦恩堡的瑞士再保险公司总部的一座三层永久灯，于2012年完工。
1?2 ?3 ?4?, 1997
现有窗户上的开口
115 × 320 × 221英寸
292.1×812.8×561.3厘米
2013年末，一个33英尺高的欧文丙烯酸柱在圣地亚哥联邦法院大楼亮相。这位艺术家与他的长期朋友和合作者，建筑师马丁·普瓦勒和景观设计师安德鲁·斯普尔洛克在法院的室外广场合作。这个三层的丙烯酸柱建于几十年前，但由于一系列不可预见的情况，它从未被赋予一个合适的住所。当阳光穿过大厅时，会折射光线，投射色彩。柱子的制作和材料相关的技术问题都是由杰克·布罗根(Jack brogan)来完成的，他是光和空间运动技术进化的核心人物。Brogan发明了将柱子抛光到所需透明度的挑战和技术，至今仍是该领域的高水位线。
棱镜，1971
丙烯酸的
143 7/10×5 9/10×5 9/10英寸
365 × 15 × 15厘米
欧文为拉克马创作了一个原始棕榈树的室外装置(Primal Palm Garden，2008-2010)和一个室内36英尺高的荧光灯雕塑《奇迹英里》(Miracle Mile，2013)，它在背后24小时发光。
无标题，1969
铸造丙烯酸树脂上的丙烯酸漆
53 × 24 1/2英寸
134.6 × 62.2厘米
Irwin在Marfa的装置-一个U形建筑，面积约为65，438+00，000平方英尺-将于2065，438+05年初开始，并完成向公众开放。该设备位于前军营医院的建筑中，将是自2004年以来加入Chinati基金会的第一个主要设备，也是Irwin第一个致力于他的工作的设备。
黄色夹克，2015
6英尺。单针-14管和6英尺。双针-1灯管，荧光灯，彩色凝胶
72 × 95 1/5 × 3 1/2英寸
182.9 × 241.9 × 8.9厘米
其他装置还有:破碎的光——部分平纹棉麻织物——纽约现代艺术博物馆的眼平(1970-1971)；纽约惠特尼博物馆黑线室部门+延伸形式(1977)；华盛顿特区老邮局的48架影子飞机(1983)；进入城市现代艺术博物馆(1994)；以及法国里昂当代艺术博物馆的双钻石(1997-1998)。
雕塑/配置2T 3L，2018
丙烯酸的
119 × 36 × 32英寸
302.3 × 91.4 × 81.3厘米
景观工程
在发展了一种体验空间的风格后，欧文转向了景观项目，将他学到的线条、颜色和最重要的光线投射到建筑环境中。从1975开始，欧文已经构思了55个网站项目。9 Space 9 Tree (1980-3)最初受西雅图艺术委员会委托，作为1980的公安大楼屋顶；它于2007年重新构思，位于华盛顿大学校园内。欧文的细丝线(1979)是由马萨诸塞州的韦尔斯利学院制造的。它由一条不锈钢线组成，沿着湖边的草脊延伸，一些叶子状的图案被切割在里面。他的1983作品《两个奔跑的紫罗兰V形》，两根涂塑铁丝网穿过蓝紫罗兰，用高杆固定，是加州大学圣地亚哥分校校园内斯图尔特系列艺术作品的一部分。欧文为位于帕萨迪纳市中心的哨兵广场(1990)选择了小型沙漠植物和仙人掌。他后来查阅了Dia:Beacon的总体规划，尤其是室外空间的设计和景观，以及入口建筑和窗户设计。
# 4x 8英尺。四折，2012
光+阴影+反射+颜色
96×17 1/4×4 1/4英寸
243.8 × 43.8 × 10.8厘米
后来，他设计开发了洛杉矶盖蒂中心的中央花园，建于1997。在中央花园中，欧文将体验关系与建筑环境融合的理念非常清晰。那些体验元素填满了空间。该项目因其设计和工艺广受好评。134000平方英尺(12400平方米)的设计有天然峡谷和林荫步道，引导游客体验景点、声音和气味。他选择了花园中的一切，以突出光、色和反射的相互作用。规划始于1992，是盖蒂中心项目的重要组成部分。中心自1997开业以来，中心花园一直随着植物的发展而发展。欧文的名言“永不改变，永不相同”被刻在广场的地板上，以提醒游客这种生活艺术的千变万化。令艺术家沮丧的是，20世纪50年代的Fernandéger雕塑被放置在花园的广场上。
瑞士制造，2015
荧光灯，彩色凝胶
72 × 95 3/10 × 3 1/2英寸
183 × 242 × 9厘米
欧文最近在2007年完成了在洛杉矶县艺术博物馆安装原始棕榈花园的第二阶段。棕榈花园呈“T”字形排列，中间有东西轴线。周围有各种各样的当代艺术博物馆和雷斯尼克展馆。南北轴线以椰枣网格结束，作为艺术家克里斯·伯顿的城市之光装置的对位法。欧文长期以来一直对南加州的棕榈树如何捕捉和反射光线感兴趣；棕榈花园的设计为欧文提供了一个同时掌握棕榈现象和文化概念的机会。各种各样的棕榈树被种植在现代的普通木制苗圃箱中。雕塑容器指的是传统上代表艺术作品的基座。欧文对棕榈树的使用考虑到了棕榈树和洛杉矶图像之间无处不在的标志性联系。